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Diego Céspedes presenta 'La misteriosa mirada del flamenco': un western queer que aborda la vida en los márgenes y el impacto del VIH en la comunidad
La ópera prima de Céspedes ha sido premiada en Cannes y se centra en la familia elegida en un contexto de discriminación y miedo.
Publicado: 18 de enero de 2026, 13:28
La ópera prima de Diego Céspedes, 'La misteriosa mirada del flamenco', se adentra en la vida de una niña de once años criada en el desierto chileno durante la década de los 80, marcada por la dictadura de Augusto Pinochet y la creciente preocupación por el VIH. Aclamada en el Festival de Cannes, la película aborda temas como la familia elegida y la violencia arraigada en la sociedad. La historia gira en torno a Lidia, una niña que vive con Flamenco, una mujer trans y líder de una comunidad de travestis en un entorno hostil. La película ha sido elogiada por su representación de una comunidad disidente que forma lazos familiares en medio de circunstancias adversas, y traza un paralelismo con el cine de Pedro Almodóvar, enfatizando cómo la ternura puede ser una forma de resistencia política.
Céspedes utiliza el western como metáfora para contar una historia de lucha de aquellos en los márgenes de la sociedad. La comunidad se convierte en un refugio en un contexto de miedo hacia el VIH y discriminación, enfatizando la importancia de la familia elegida. La película evoca recuerdos de tiempos difíciles y subraya la ternura como un elemento esencial en la lucha política, transmitiendo un mensaje de esperanza frente a la adversidad. En este contexto, el director señala que su propia historia familiar está entrelazada con el estigma y el miedo que rodearon la epidemia del VIH en Chile, lo que agrega una capa de autenticidad y urgencia a su relato.
Visualmente, la película combina realismo mágico y melodrama, creando una atmósfera de aislamiento y fragilidad. A través de su narración, se recuerda la importancia de la comunidad y el amor, destacando que la historia del VIH y las luchas de la comunidad LGBTQ+ deben ser contadas y visibilizadas. La cinematografía de Angello Faccini utiliza planos abiertos que unen a los personajes con el desolador paisaje del desierto, simbolizando tanto el aislamiento como la comunidad que han construido junto a los desafíos de sus realidades. Asimismo, la película presenta una representación única de las relaciones humanas que desafían las normas tradicionales, resaltando que cada mirada es un acto político esencial.
Céspedes utiliza el western como metáfora para contar una historia de lucha de aquellos en los márgenes de la sociedad. La comunidad se convierte en un refugio en un contexto de miedo hacia el VIH y discriminación, enfatizando la importancia de la familia elegida. La película evoca recuerdos de tiempos difíciles y subraya la ternura como un elemento esencial en la lucha política, transmitiendo un mensaje de esperanza frente a la adversidad. En este contexto, el director señala que su propia historia familiar está entrelazada con el estigma y el miedo que rodearon la epidemia del VIH en Chile, lo que agrega una capa de autenticidad y urgencia a su relato.
Visualmente, la película combina realismo mágico y melodrama, creando una atmósfera de aislamiento y fragilidad. A través de su narración, se recuerda la importancia de la comunidad y el amor, destacando que la historia del VIH y las luchas de la comunidad LGBTQ+ deben ser contadas y visibilizadas. La cinematografía de Angello Faccini utiliza planos abiertos que unen a los personajes con el desolador paisaje del desierto, simbolizando tanto el aislamiento como la comunidad que han construido junto a los desafíos de sus realidades. Asimismo, la película presenta una representación única de las relaciones humanas que desafían las normas tradicionales, resaltando que cada mirada es un acto político esencial.